Chapter 3　自分を見失わない 見たいものしか見えていない リサーチ力（観察眼: 情報処理能力） 「発見・展開・整とん」 アートの創作において、リサーチや取材の重要性はしばしば軽視されがちですが、そのプロセスが最終的な作品に与える影響は計り知れません。歴史的に見ても、多くの著名なアーティストたちは、作品を完成させるために膨大なリサーチを行い、その資料をもとに丹念に準備を重ねていました。 たとえば、レオナルド・ダ・ヴィンチは、解剖学や植物学、天文学など幅広い分野の知識を集め、それをもとに細部に至るまで精緻なスケッチを作成しました。 『ウィトルウィウス的人体図』 1485年頃 レオナルド・ダ・ヴィンチ レオナルド・ダ・ヴィンチ手稿『美術解剖学』　 『ほつれ髪の女性』 1508年頃 レオナルド・ダ・ヴィンチ レオナルド・ダ・ヴィンチ手稿 『女性の手の習作』 レオナルド・ダ・ヴィンチ その結果、レオナルド・ダ・ヴィンチ作品は単なる視覚的な美しさを超え、観る者に深い知識や洞察を与える力を持っています。彼の『モナ・リザ』に見られる手の表

【Chapter 4　想いの可視化】 イメージ（目的・意図：何を望むのか） 「意図するイメージ・浮かぶイメージ・沸き上がるイメージ」 イメージとは、私たちが日々の生活や創造活動において、思考や行動の指針となるものです。無意識に浮かび上がるものや、意図的に描くもの、それらは私たちの内なる願望や理想を映し出します。 アートにおける「イメージ」は、しばしば深層心理に潜む欲求や社会的な背景に根ざしています。 『星月夜』1889年 6月、サン＝レミ ファン ゴッホ 『叫び』1893年エドヴァルド・ムンク 『相対性』　1953年　マウリッツ・エッシャー 『蛇使いの女(The Snake Charmer)』 1907年　アンリ・ルソー 『誕生日』1915年 　マルク・シャガール この章では、イメージがどのように人々の行動を促し、社会に影響を与えるかを探ります。 意図するイメージ 「イメージ」という言葉は多義的であり、さまざまな文脈で使用されますが、その本質は「何を望むのか」という問いに帰着します。 　たとえば、ルネ・マグリットの作品『イメージ

【Chapter 5　"好き"というパワー】 エスキース 『効率：計画性レベルの高さ』 　エスキースとは、具体的な「夢」を具現化するというよりは、内なる欲求を吐き出す作業と言えるでしょう。 アンドリュー・ワイエス画集『クリスティーナの世界』 から アンドリュー・ワイエス画集『クリスティーナの世界』 から アンドリュー・ワイエス画集『クリスティーナの世界』 から 　「エスキース」という概念は、美術史において多くの名だたる芸術家たちによって実践されてきました。レオナルド・ダ・ヴィンチの『壁画のためのエスキース』はその代表例です。 　彼は、「最後の晩餐」など、何度も構想を練り直し、最適な構図を探し出すために数え切れないほどのエスキースを行いました。この過程は、彼が持つ緻密な計画性と無限の創造力を象徴しています。 『最後の晩餐』1495-97年　レオナルド・ダ・ヴィンチ サンタ・マリア・デッレ・グラツィエ教会 　エスキースは、ルネサンス期のイタリアにおいて、芸術家たちが新たな技法や表現を模索するための手段として活用されました。それは単なる下書きではなく、

【アートの民主化】 Chapter５　”好き“が最強パワー　からの続き ◆ 【Chapter 6　自分の流】 アピール（個性：やりたいことを素直に表現できているのか。） 「正直に生きている人は面白い」は、アートや自己表現における「アピール」の重要性について考察する内容です。 ここでは、アートが持つ自己表現の力が、どのように社会や個人に影響を与えるのかを探ります。 アートと自己表現の力 アートは単なる視覚的な表現ではなく、制作者の内面的な世界や思想を伝える手段です。アンリ・マティスの『ブルーヌー』やレンブラントの『フランス・バニング・コック隊長の市警団』などの作品は、芸術家の感情や社会に対するメッセージを強く感じさせます。 『ブルーヌー』 1952年 アンリ・マティス 『フランス・バニング・コック隊長の市警団』 1642年 レンブラント・ファン・レイン これらの作品は、それぞれの時代背景や社会的な状況を反映しており、その意味を理解することは、作品に込められた「アピール」を読み解く鍵となります。 自己表現と社会 ...

【Chapter 7　らしさが魅力】 　 ”アートの民主化 Chapter６　正直に生きている人は面白い　”からの続き ◆ 【Chapter 7　らしさが魅力】 　 魅力（独自性） 「私しかしないこと・私だからすること・何時間でも続けられること」 私しかしなさそうなこと 例えば私の場合、子どもの頃から人が集まることと誰かのサポートをすることが好きでした。奉仕とかボランティア活動をしたいということとは少し違って、自分自身あるいは家族のために行動していることでも結果的に人と人、人と何かの「橋渡し」に繋がっていくことに充実感を感じています。 そんな人はたくさんいるでしょうが、デザイン＆アートの分野で私の培ってきたことを使って、それも日本で、教育の現場で…という具合に私のもっている条件をつけていくとその人数も絞られていくはずです。 そんなことが自分のやりたいことへの自信にも繋がったりします。どんなことが自分の自信として思えるのかで、それぞれのモチベーションが決まってくるように思えます。 ポスター『ムーラン・ルージュのラ・グリュ』1891

”アートの民主化 Chapter 7　魅力（独自性）　”からの続き ◆ 【Chapter 8　実現したいこと】 　 表現手段（スキル：他者への説得力） 「イメージを表現できる方法、テンションが上がる行為、性分」 アートの授業で 　「どんなアートをしたいですか？」という問いに対して、「写真、絵画、映画、彫刻…がしたい。」など、ほとんどの学生が「イメージ・モチベーション」ではなく「限定された制作手段」を答えてしまいます。 「どんなことがしたいですか？」と質問をかえると「冒険がしたい。日頃訪れない場所を探索したい。｀基地｀をつくりたい。物語をつくりたい。話題のもの、場所を調査したい。何かの役に立ちたい…」などの返答が出てきます。 それこそアートの活躍の場になっていくはずなのに答えた本人にそんな認識がないのです。 ターシャ・デューダ 　以前、パリ在住のアーティストたちと現代美術交流としてパリ市内に滞在（アーティスト・イン・レジデンス）し彼らと生活を共にしました。そのときに彼らの生活と密着した美術意識、社会でのアートの重要性、アーティストが存在する

【Chapter 9　新しい価値】　 アートの「原因と結果」を知る 　19世紀フランス パリでは、若き芸術家たちがモンマルトルの丘のバトー・ラヴォワール（洗濯船）を憧れ愛し、引き寄せられるように集まり、お互いをリスペクトし切磋琢磨していました。そんな街の小さな一角から世界を大きく変える芸術作品（新しい価値観）が次々と生み出されていきました。 『アビニヨンの娘たち』1907年-1908年 パブロ・ピカソ 　産業革命が起こったイギリスでもそれまでの芸術を引き継ぐ保守的な新古典主義とその頃、時代を台頭した革新的なロマン主義の芸術家たちが、それぞれの信じる表現を主張し対立しながらも創造性を高めていき、サイエンス、アート、思想、世界の経済までも大きく揺るがす爆発的なパワーを発信していたのです。 『民衆を導く自由の女神』 1830年 ウジェーヌ・ドラクロワ 　14世紀のイタリアのルネサンス期では学術的な縛りがなく、お互いの考え方や気づきと技術をぶつけ合いながら研究を繰り返し、数千年前の古代ギリシャ人は自由を愛し身体と精神を調和させ、古代エジプト人は、誰も観た

【Chapter 10　美意識の基本】 アート思考の基本『0から10まで成長するには』 0を1にする = 無から創造する 1から9にする = 既存のものを効率的に活用し、改善する 9を10に引き上げる = 限界を超え、新しい価値観を創造する 　2番目のステップは、AIやデジタル技術が進化していく領域であり、データ分析や効率化に長けています。 　一方で、1と3は人間にしかできない領域。これは、全く新しい視点や未知の可能性を生み出す力であり、真の創造性が試される瞬間です。それがアートの本質です。 アート思考とは？ 　アート思考は、A点からB点へと効率的に進む手段を探すのではなく、そもそもB点をどのように発明するかを考えるプロセスです。これにより、未知の領域を開拓し、新しい価値観を社会に提供することが可能となります。 絵を学ぶことの意義 　絵を学ぶことは、単に目で見て形を捉えるだけではなく、多角的な視点から世界を観察し、異なる方法で理解し伝える力を養うことを意味します。 　レオナルド・ダ・ヴィンチは、単なる観察者ではなく、「感じ、触れ、理解する」こと

テーマ（何を表現したいのか） 　「テーマとモチーフ（素材）を生かす構図で、目的を他者に伝える」 「構図の完成度は、単に視覚的な美しさだけでなく、テーマ」 アートと社会：歴史的背景 　アートは常に社会と深く結びつき、時代の変遷と共にその姿を変えてきました。アートの構図やテーマを考える際には、その歴史的背景を理解することが不可欠です。 　たとえば、カラヴァッジオが活躍したバロック時代は、宗教改革と対抗宗教改革がヨーロッパ全土を揺るがしていました。この tumultuous な時代において、彼の作品『聖マタイの召命』は、宗教的メッセージを強調し、観る者に深い感情的なインパクトを与えることを意図していました。 『聖マタイの召命』1600年　カラヴァッジオ 　カラヴァッジオは、光と影のコントラスト、すなわち「キアロスクーロ」の技法を駆使し、聖書の物語を生き生きと表現しました。彼の構図は、単なる美的配置ではなく、宗教的テーマの伝達手段としても機能していました。彼の作品は、観る者に神聖な光が差し込む瞬間を感じさせ、内面的な葛藤や救済の希望を呼び起こします。..

【Chapter 12　創造革命】 　 　歴史の波間に漂う芸術の灯火は、時代の闇を照らし、人々の心に新たな光明をもたらしてきました。芸術家たちは、その創造の炎で社会の固定観念を溶かし、人類の意識を新たな高みへと導いてきたのです。 　19世紀末のパリ、モンマルトルの丘に佇むバトー・ラヴォワール。この「洗濯船」と呼ばれた芸術家たちの巣は、まさに創造の坩堝でした。ピカソやモディリアーニらが集い、既存の美の概念を打ち砕き、印象派やキュビスムという新たな芸術の言語を紡ぎ出したのです。彼らの筆は、単なる絵具ではなく、世界の認識を変える魔法の杖となりました。 左からモディリアーニ、ピカソ、アンドレ・サルモン（1916年8月12日パリ） 　同じ頃、大英帝国では産業革命の轟音が鳴り響く中、芸術の世界でも静かなる革命が進行していました。 『グランド・オダリスク』 1814年 ドミニク・アングル 　保守的な新古典主義を体現するアングルと、情熱的なロマン主義を掲げるドラクロアの対立は、単なる画風の違いを超え、時代の価値観をめぐる壮大な闘いでした。彼らの筆致は、キャンバス

アートの表現手段は、時代とともに大きく進化してきました。その進化の過程には、技術の発展や社会の変化が深く関わっています。 伝統的な表現手段からの発展 当初、アートの主な表現手段は壁画や彫刻など、固定的で持ち運びが困難なものでした。しかし、時代とともにより柔軟な表現方法が求められるようになりました。 キャンバスの登場により、絵画の可搬性が向上 版画技術の発展により、作品の大量生産が可能に ヤン＝ファン＝アイク『アルノルフィニ夫妻の肖像』1434 『ヨハネ黙示録』 アルブレヒト・デューラー 写真と映像の登場 19世紀以降、写真技術の発明と発展により、アートの表現手段は大きく広がりました。 写真は短時間で大量に作品を生み出すことが可能 写実的な表現において、絵画よりも優位性を持つ 映像技術の発展により、動きのある表現が可能に 『アクイラ・デッリ・アブルッツィ』 1952年 アンリ・カルティエ=ブレッソン 『オーケストラ席の音楽家たち』1870年 エドガー・ドガ デジタル技術の台頭 20世紀後半から21世紀にかけてデジタル技術がアートの世界に革命をもた

歴史の波間に漂う芸術の魂。 それは時代を超え、人々の心に深く刻まれる永遠の輝きを放つ。 江戸の粋と現代の感性が交錯する世界で、私たちは新たな文学の地平を目指している。 『ビードロを吹く女』1790-91年 喜多川歌麿 かつて浮世絵師たちが描いた風景や人物は、単なる絵画ではなく、 当時の人々の喜びや悲しみ、そして憧れを映し出す鏡であった。 『名所江戸百景 大はしあたけの夕立』 1857年 歌川広重 歌川広重が「東海道五十三次」で描いた旅路は、今もなお私たちの心に響く。 それは単なる風景画ではない。 旅人の足取りや、宿場町の喧騒、そして遠く望む富士の姿。そこには、江戸の人々が抱いた夢と希望が凝縮されているのだ。 現代の作家たちは、こうした先人の魂を受け継ぎながら、新たな表現を模索している。 梶よう子の『広重ぶるう』は、単に浮世絵師の生涯を描くだけでなく、その作品に込められた想いや、当時の社会の空気感までも鮮やかに蘇らせる。それは、過去と現在を結ぶ架け橋となり、読者の心に深い感動を呼び起こすのだ。 『名所江戸百景 亀戸梅屋敷 のぞき見る』1857年 歌

物と同じように 考え方や知識も劣化していく。 ”諸行無常”を受け入れると 成長は続く。 常に新鮮な情報や視点を組み合わせていくことで 何度でも再生していく。 水がよどむと濁ってしまう。 清流のように穏やかに流れ続けることで 新鮮で安全な水が得られる。 『紅白梅図屏風』 尾形光琳 歌舞伎もオペラも 伝統文化を伝承していく五感を使ったシステムの一つ。 中世の教会も 布教のためのシステムとして捉えると 天を見上げさせるための彫像や天井画、ステンドグラスのように 五感を使って伝達する技術を駆使した建造物。 ドゥオモ すべての”仕事”は行きつくところ、 ”人や地球のためにデザインをしている”といえる。 デザインとは、 表面的な見栄えや漠然とした美しい理想を追い求めることではなく ユーザーが望んでいることや困っていることに直視して、 具体的に問題を解決していくこと。 古代ローマ 水道橋 誰かから指示されたり、 注意をされたりしてから動くことは、 面倒くさい。 誰かのために見返りを求めずに 積極的に自分で判断して動くことは 人に喜ばれ、やりがいになっていく

『忘れっぽい天使(Vergesslicher Engel)』1939年　パウル・クレー “TO BE”ではなく“Being” 「上手くなりたい」「評価されたい」「何者かになりたい」—— アートを学ぶとき、私たちはつい“TO BE（〜になる）”に引っ張られます。 でもね、本当に面白いのはその手前にある。 Being。 いま、ここで、感じていること。 手が動くリズム、色に惹かれる理由、形が生まれる瞬間。 たとえば、真っ白な紙に線を一本引くとき。 「いい線を引こう」と思った瞬間、その線は少し固くなる。 でも、「ただ引いてみよう」と任せたとき、 その線には自分でも知らなかった“自分”が現れる。 Beingとは、「何かになるため」ではなく、 「いま、すでにある自分と出会うこと」。

ピカソの凄さを改めて感じている。 作品性よりも芸術活動の視点を変えたところに興味をそそられる。 戦争の悲しみ、憎しみ、悔しさ、苦しさ…が表現された 『ゲルニカ』 ドイツ兵から「この絵を描いたのはお前か。」 と聞かれた近代美術の巨匠ピカソは 「この絵を描いたのは、あなたたちだ。」と答えた。 『ゲルニカ』1937年　パブロ・ピカソ 何をしたかではなく何のためにやっているのかが心に響く。 日曜画家だったアンリ・ルソー、 世界的に知られる名画はすべて５０過ぎに描いた作品。 生前、モンマルトの画家たちは「へたくそ」と馬鹿にしていた中、 彼の才能を認めていたのがピカソ 『蛇使いの女(The Snake Charmer),』1907年　アンリ・ルソー

創造性はアートの世界だけではなく、繰り返される実生活の中でこそ効用を発揮する。 自分の視座・視野・視点が変わることで世界の見え方が変わる。 アートに触れることで、日常を非日常に変えるのではなく、当たり前のこととして見過ごしている”日常の奇跡”に気づいて、視座が変わり視野が広がって視点が多角化して、結果的に今までの日常が変わる。 芸術家たちはいつの時代も新しい価値を探し求めて、未知の領域への挑戦を繰り返してきた。だから、時代時代に必要とされるアートが社会変動と共に変貌し続けている。 『夕暮れ→夜景』 『open mind　トンネル』 『記憶と記録・日記68』 『2008 プライベートタイム』 『記憶の記録　数分間　木馬』 『記憶の記録　一緒が嬉しい 』 『パス停留所で出迎え』 『記憶と記録・日記4』 『記憶の記録　数分間　ホームシアター』 『記憶の記録　数分間　桜島』 『都庁』 『ノートルダム』 『ローマ』 『古河庭園』 『記憶の記録　数分間　蔵出し』 『記憶と記録・日記59』 『2002 記憶と記録 展示作品』 【脳の活性化】...

川の流れを止めると水が淀む、腐る。 情報を止めると思考が止まる。 その状態が、思い込み。 情報の思い込みで判断すると不安で辛くなる。 思い込みを取り除くと思考が機能する。 思考量を増やし、情報を常に選択し、その流れを止めない方がいい。 『紅白梅図屏風』 尾形光琳 大抵の思い込みは、自分で気づかないから厄介。 普段、目にしている物事を絵に描くつもりで観てみるといろんなことに気づきだす。 絵は、思い込みや見たつもり、知っているつもりでは描けない。 物事は「見る」のではなく「観る」ことが重要で、 書物と同様に「読みとく」「理解」する感覚が大切。 『レオナルド・ダ・ヴィンチ手稿』より レオナルド・ダ・ヴィンチは、 凡庸な人間は「注意散漫に眺め、聞くとはなしに聞き、感じることもなく触れ、味わうことなく食べ、体を意識せずに動き、香りに気づくことなく呼吸し、考えずに歩いている」 と嘆いて、あらゆる楽しみの根底には「感覚的知性」を磨くといった真面目な目的があると提唱していた。 本を読んだり、庭いじりをしたり、絵画を学ぶことやイラストやマンガを描くことも音楽、スポ

「アート＆デザイン」と聞いて、あなたは何を思い浮かべますか？ 人の心を高揚させ、歓喜させるバロック絵画やハリウッド映画、おしゃれなインテリアやファッション、浮世離れした芸術家、あこがれのイラストレーター、卓越した巨匠たちの彫刻、パリやルーブル美術館、印象派画家たちが描きだす輝く色彩…などでしょうか？また、思いどおりに絵を描いたり、造形できたりすることだけがアート＆デザインの魅力、威力でしょうか？ 『われわれはどこから来たのか われわれは何者か われわれはどこへ行くのか』　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　1897-1898年　ポール・ゴーギャン 日本では、芸能スポーツに関する情報やその選手、芸能人たちの活躍は各メディアで頻繁に紹介され、社会におよぼす影響力もひろく知られていますが、アート＆デザインもまた、あらゆる分野での可能性を秘めながらその威力や魅力を充分に有効利用されていないのが現状です。 スポーツと同様、アート＆デザインも生活に密着したものです。また、その土地の文化に根付いたものであり、その時

美術家文田聖二の作品は、人間の記憶と知覚の本質に迫る。彼の手法は、カメラでは捉えきれない人間の内なる風景をスナップ写真を使ったコラージュ技法を用いて描き出す。それは、私たちの意識の奥底に眠る原始的な感覚を呼び覚ます力を持っている。 『open mind　トンネル』 『記憶と記録・日記68』 文田聖二の作品はどのようにして視覚情報を処理しているのか 文田聖二の作品は、人間の視覚情報処理の特性を深く理解し、それを芸術表現に活かしています。彼の作品における視覚情報の処理方法には以下のような特徴があります。 【眼球運動の再現】 文田は、人間の眼球運動が固視状態と跳躍状態を繰り返すことに着目しています。彼の作品は、この自然な視線の動きを再現し、鑑賞者の目を画面上で動かすように構成されています。 『夕暮れ→夜景』 『2008 プライベートタイム』 『記憶の記録　数分間　木馬』 【総合的な情報処理】 写真が一瞬の情報を捉えるのに対し、文田の作品は複数の視点からの情報を総合的に処理しています。これにより、時間の経過や作家の心情、視線の動きが作品に刻印されます。

子供は、遊びの天才。ドキドキワクワク感で生きている。毎日が、のめり込めることで溢れている。例えば、絵を描く時間も”楽しいこと”のひとつでした。 壁や地面に描いた絵、クレヨンで描いた夏休みの思い出、着てみたいドレスや試してみたい髪型の絵、絵ハガキ、友達や先生の似顔絵、教科書に描いたラクガキ……。子どものころを思い起こせば、ほとんどの人にとって絵は身近な存在だったと思います。今、絵が苦手という人はいつから描くことが楽しくなくなったのでしょう。 『魚の魔術』 パウル・クレー 幼いころは、描く絵に「正解」を決めつけていなかったので、うまいもへたもなくワクワクして好きな色で自由自在に塗ったり線を描いたりしていました。それが年頃になるにつれ、人によっては漫画やアニメのキャラクターを描き写したい欲求が出てきて、上手に描けるクラスの人気者と比べてしまい、絵を描く才能の有無を決めつけていったのではないでしょうか。 あるいは美術館や画集、美術の教科書などで写真のように描かれた写実絵画や個性的な名画に出会ったときに「自分には画家のような絵を描くこと