アートの表現手段は、時代とともに大きく進化してきました。その進化の過程には、技術の発展や社会の変化が深く関わっています。 伝統的な表現手段からの発展 当初、アートの主な表現手段は壁画や彫刻など、固定的で持ち運びが困難なものでした。しかし、時代とともにより柔軟な表現方法が求められるようになりました。 キャンバスの登場により、絵画の可搬性が向上 版画技術の発展により、作品の大量生産が可能に ヤン＝ファン＝アイク『アルノルフィニ夫妻の肖像』1434 『ヨハネ黙示録』 アルブレヒト・デューラー 写真と映像の登場 19世紀以降、写真技術の発明と発展により、アートの表現手段は大きく広がりました。 写真は短時間で大量に作品を生み出すことが可能 写実的な表現において、絵画よりも優位性を持つ 映像技術の発展により、動きのある表現が可能に 『アクイラ・デッリ・アブルッツィ』 1952年 アンリ・カルティエ=ブレッソン 『オーケストラ席の音楽家たち』1870年 エドガー・ドガ デジタル技術の台頭 20世紀後半から21世紀にかけてデジタル技術がアートの世界に革命をもた

歴史の波間に漂う芸術の魂。 それは時代を超え、人々の心に深く刻まれる永遠の輝きを放つ。 江戸の粋と現代の感性が交錯する世界で、私たちは新たな文学の地平を目指している。 『ビードロを吹く女』1790-91年 喜多川歌麿 かつて浮世絵師たちが描いた風景や人物は、単なる絵画ではなく、 当時の人々の喜びや悲しみ、そして憧れを映し出す鏡であった。 『名所江戸百景 大はしあたけの夕立』 1857年 歌川広重 歌川広重が「東海道五十三次」で描いた旅路は、今もなお私たちの心に響く。 それは単なる風景画ではない。 旅人の足取りや、宿場町の喧騒、そして遠く望む富士の姿。そこには、江戸の人々が抱いた夢と希望が凝縮されているのだ。 現代の作家たちは、こうした先人の魂を受け継ぎながら、新たな表現を模索している。 梶よう子の『広重ぶるう』は、単に浮世絵師の生涯を描くだけでなく、その作品に込められた想いや、当時の社会の空気感までも鮮やかに蘇らせる。それは、過去と現在を結ぶ架け橋となり、読者の心に深い感動を呼び起こすのだ。 『名所江戸百景 亀戸梅屋敷 のぞき見る』1857年 歌

世界の中で、日本人は絵が上手い民族。 日本文学も俳句もビジュアル的な言語。 生け花も茶道もビジュアル的な文化。 日本の文化は映像文化。 日本人はビジュアル人間。 ビジュアルを巧みに操る民族。 だから日本アニメや漫画は世界を魅了する。 そのDNAをもっと教育や仕事に活かすべき。 『百人一首　乳母が絵解』 葛飾北斎 文化に触れることは簡単。 競争で勝ち抜くことが文化ではない。 特別な優遇もなく、お金を使わなくても らしいこと、好きなこと、楽しいこと、大切と思えることで 日々、暮らしていけることが、 どれだけ幸せなことかを 気づくために文化がある。 『鳥獣戯画絵巻』 思い出す大切な言葉 「型ができていない者が芝居をすると型なしになる。メチャクチャだ。」 「型がしっかりした奴がオリジナリティを押し出せば型破りになれる。どうだ、わかるか？」　 立川談志 立川談志 柳家小ゑん時代（1959年6月6日、当時23歳） 楽しいことが才能。 継続すること、習慣になっていることが重要で、 何よりも説得力がある。 目的意識ではなく、そうしたいからしてしまうこと

『忘れっぽい天使(Vergesslicher Engel)』1939年　パウル・クレー “TO BE”ではなく“Being” 「上手くなりたい」「評価されたい」「何者かになりたい」—— アートを学ぶとき、私たちはつい“TO BE（〜になる）”に引っ張られます。 でもね、本当に面白いのはその手前にある。 Being。 いま、ここで、感じていること。 手が動くリズム、色に惹かれる理由、形が生まれる瞬間。 たとえば、真っ白な紙に線を一本引くとき。 「いい線を引こう」と思った瞬間、その線は少し固くなる。 でも、「ただ引いてみよう」と任せたとき、 その線には自分でも知らなかった“自分”が現れる。 Beingとは、「何かになるため」ではなく、 「いま、すでにある自分と出会うこと」。

ピカソの凄さを改めて感じている。 作品性よりも芸術活動の視点を変えたところに興味をそそられる。 戦争の悲しみ、憎しみ、悔しさ、苦しさ…が表現された 『ゲルニカ』 ドイツ兵から「この絵を描いたのはお前か。」 と聞かれた近代美術の巨匠ピカソは 「この絵を描いたのは、あなたたちだ。」と答えた。 『ゲルニカ』1937年　パブロ・ピカソ 何をしたかではなく何のためにやっているのかが心に響く。 日曜画家だったアンリ・ルソー、 世界的に知られる名画はすべて５０過ぎに描いた作品。 生前、モンマルトの画家たちは「へたくそ」と馬鹿にしていた中、 彼の才能を認めていたのがピカソ 『蛇使いの女(The Snake Charmer),』1907年　アンリ・ルソー

創造性はアートの世界だけではなく、繰り返される実生活の中でこそ効用を発揮する。 自分の視座・視野・視点が変わることで世界の見え方が変わる。 アートに触れることで、日常を非日常に変えるのではなく、当たり前のこととして見過ごしている”日常の奇跡”に気づいて、視座が変わり視野が広がって視点が多角化して、結果的に今までの日常が変わる。 芸術家たちはいつの時代も新しい価値を探し求めて、未知の領域への挑戦を繰り返してきた。だから、時代時代に必要とされるアートが社会変動と共に変貌し続けている。 『夕暮れ→夜景』 『open mind　トンネル』 『記憶と記録・日記68』 『2008 プライベートタイム』 『記憶の記録　数分間　木馬』 『記憶の記録　一緒が嬉しい 』 『パス停留所で出迎え』 『記憶と記録・日記4』 『記憶の記録　数分間　ホームシアター』 『記憶の記録　数分間　桜島』 『都庁』 『ノートルダム』 『ローマ』 『古河庭園』 『記憶の記録　数分間　蔵出し』 『記憶と記録・日記59』 『2002 記憶と記録 展示作品』 【脳の活性化】...

川の流れを止めると水が淀む、腐る。 情報を止めると思考が止まる。 その状態が、思い込み。 情報の思い込みで判断すると不安で辛くなる。 思い込みを取り除くと思考が機能する。 思考量を増やし、情報を常に選択し、その流れを止めない方がいい。 『紅白梅図屏風』 尾形光琳 大抵の思い込みは、自分で気づかないから厄介。 普段、目にしている物事を絵に描くつもりで観てみるといろんなことに気づきだす。 絵は、思い込みや見たつもり、知っているつもりでは描けない。 物事は「見る」のではなく「観る」ことが重要で、 書物と同様に「読みとく」「理解」する感覚が大切。 『レオナルド・ダ・ヴィンチ手稿』より レオナルド・ダ・ヴィンチは、 凡庸な人間は「注意散漫に眺め、聞くとはなしに聞き、感じることもなく触れ、味わうことなく食べ、体を意識せずに動き、香りに気づくことなく呼吸し、考えずに歩いている」 と嘆いて、あらゆる楽しみの根底には「感覚的知性」を磨くといった真面目な目的があると提唱していた。 本を読んだり、庭いじりをしたり、絵画を学ぶことやイラストやマンガを描くことも音楽、スポ

「アート＆デザイン」と聞いて、あなたは何を思い浮かべますか？ 人の心を高揚させ、歓喜させるバロック絵画やハリウッド映画、おしゃれなインテリアやファッション、浮世離れした芸術家、あこがれのイラストレーター、卓越した巨匠たちの彫刻、パリやルーブル美術館、印象派画家たちが描きだす輝く色彩…などでしょうか？また、思いどおりに絵を描いたり、造形できたりすることだけがアート＆デザインの魅力、威力でしょうか？ 『われわれはどこから来たのか われわれは何者か われわれはどこへ行くのか』　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　1897-1898年　ポール・ゴーギャン 日本では、芸能スポーツに関する情報やその選手、芸能人たちの活躍は各メディアで頻繁に紹介され、社会におよぼす影響力もひろく知られていますが、アート＆デザインもまた、あらゆる分野での可能性を秘めながらその威力や魅力を充分に有効利用されていないのが現状です。 スポーツと同様、アート＆デザインも生活に密着したものです。また、その土地の文化に根付いたものであり、その時

美術家文田聖二の作品は、人間の記憶と知覚の本質に迫る。彼の手法は、カメラでは捉えきれない人間の内なる風景をスナップ写真を使ったコラージュ技法を用いて描き出す。それは、私たちの意識の奥底に眠る原始的な感覚を呼び覚ます力を持っている。 『open mind　トンネル』 『記憶と記録・日記68』 文田聖二の作品はどのようにして視覚情報を処理しているのか 文田聖二の作品は、人間の視覚情報処理の特性を深く理解し、それを芸術表現に活かしています。彼の作品における視覚情報の処理方法には以下のような特徴があります。 【眼球運動の再現】 文田は、人間の眼球運動が固視状態と跳躍状態を繰り返すことに着目しています。彼の作品は、この自然な視線の動きを再現し、鑑賞者の目を画面上で動かすように構成されています。 『夕暮れ→夜景』 『2008 プライベートタイム』 『記憶の記録　数分間　木馬』 【総合的な情報処理】 写真が一瞬の情報を捉えるのに対し、文田の作品は複数の視点からの情報を総合的に処理しています。これにより、時間の経過や作家の心情、視線の動きが作品に刻印されます。

子供は、遊びの天才。ドキドキワクワク感で生きている。毎日が、のめり込めることで溢れている。例えば、絵を描く時間も”楽しいこと”のひとつでした。 壁や地面に描いた絵、クレヨンで描いた夏休みの思い出、着てみたいドレスや試してみたい髪型の絵、絵ハガキ、友達や先生の似顔絵、教科書に描いたラクガキ……。子どものころを思い起こせば、ほとんどの人にとって絵は身近な存在だったと思います。今、絵が苦手という人はいつから描くことが楽しくなくなったのでしょう。 『魚の魔術』 パウル・クレー 幼いころは、描く絵に「正解」を決めつけていなかったので、うまいもへたもなくワクワクして好きな色で自由自在に塗ったり線を描いたりしていました。それが年頃になるにつれ、人によっては漫画やアニメのキャラクターを描き写したい欲求が出てきて、上手に描けるクラスの人気者と比べてしまい、絵を描く才能の有無を決めつけていったのではないでしょうか。 あるいは美術館や画集、美術の教科書などで写真のように描かれた写実絵画や個性的な名画に出会ったときに「自分には画家のような絵を描くこと

芸術家であり自然科学者でもあったレオナルド・ダ・ヴィンチは 　凡庸な人間は”注意散漫に眺め、聞くとはなしに聞き、感じることもなく触れ、 味わうことなく食べ、体を意識せずに動き、香りに気づくことなく呼吸し、 考えずに歩いている” と嘆き、あらゆる楽しみの根底には、感覚的知性を磨くといった真面目な目的があると提唱していました。 　芸術は、「知覚」を機能させて表現していく”業”ですが、その業が、芸術作品を創作する限られた目的のためだけではなく、一般的な仕事や暮らしの中でこそ、その効用を活かせていける。 『ほつれ髪の女性』 1508年頃 　レオナルド・ダ・ヴィンチ レオナルド・ダ・ヴィンチ手稿 　芸術家は、知覚を見つめることで、感覚と脳の仕様で決められた「可知域（知ることができる範囲）の内側」で芸術表現の試行錯誤をしてきた。画家の作品をのぞくことは、すなわち知覚の仕組みをのぞくこととおなじといえる。 作家オスカー・ワイルドの言葉 “Before Turner there was no fog in London.” 「ターナー以前に、ロンドンに霧はなかっ

創造性はアートの世界だけではなく、 繰り返される実生活の中でこそ効用を発揮する。 自分の視座・視野・視点が変わることで世界の見え方が変わる。 アートに触れることで、日常を非日常に変えるのではなく、 当たり前のこととして見過ごしている”日常の奇跡”に気づいて、 視座が変わり視野が広がって視点が多角化して、 結果的に今までの日常が変わる。 人と同じ情景を見ていても 情報の捉え方で 違う感情、考え方が生まれる。 多角的な視点で情報を捉えなければ、真実は見えてこない。 情報の捉え方の違いで、判断が大きく大きく変わる。 『クリスティーナの世界』 1948年 アンドリュー・ワイエス 『見えないものが見えるようになる』 若冲の「群鶏図」にみられるような驚異的な細密描写と オディロン・ルドンの顕微鏡で覗き見るような絵の世界観には共通点がある。 いずれも表面的な写実描写に留まらず、 リアルな仮想世界にまで到達して描いている。 『群鶏図』　宝暦11年（1761年）-明和2年（1765年）頃 伊藤若冲 『花瓶の花』1912年-1914年 オディロン・ルドン 『見ている

芸術×技術×学術 月の引力の影響が海や人の血流までにおよぶことや地球の自転で水の流れが変わったり、宇宙に存在する（可視できないものも）すべてがねじれていたりと素直に考えると存在するそれぞれが宇宙の構造を持っていると感じる。 夜空や青空だけではなく、人の意識や感情にも宇宙を感じて面白い。 科学者ガリレオ・ガリレイが低倍率の望遠鏡で月のクレーター（凸凹）を発見できたのは、彼が水彩画を描くことで陰影により奥行きや立体を表現していく観察眼を身につけていたから。 芸術的な素養としての美意識を磨いている人は、サイエンスの領域でも高い知的パフォーマンスを上げている。 思い込みで、判断を誤る。よく観ないと世界は見えてこない。多角的な視点が大切。 普段、知っていると思い込んでいる物事を絵に描くといろんなことに気づきだす。 絵は思い込みや見たつもり、知っているつもりでは描けない。 物事は「見る」のではなく「観る」ことが重要で、書物の様に「読みとく」「理解」する感覚が大切。 絵を描くと知らないことに気づき「観る」習慣が身につく。 創造性はアートの世界だけではな

「幸せを感じる瞬間は、成長が加速する時だ」 この言葉は、過去と未来が交差する瞬間にこそ、私たちが本当の意味で幸福を感じられることを表しています。 日々の生活の中で感じる些細なこと、当たり前の出来事をどれだけ深く観察し、そこからどんな学びを得られるか。創造力は、単にアートの世界にとどまらず、我々の日常にも浸透しているのです。 創造性は、目の前に広がる平凡な風景を再構築し、私たちが見落としていた「奇跡」に気づかせてくれるものです。アートに触れると、世界が変わるわけではありませんが、その見え方が変わることで、日常の中に埋もれていた美しさが浮かび上がるのです。 　 芸術家であると同時に自然科学者でもあった レオナルド・ダ・ヴィンチ は、「凡庸な人間は、注意散漫に眺め、聞くとはなしに聞き、感じることもなく触れ、味わうことなく食べ、体を意識せずに動き、香りに気づくことなく呼吸し、考えずに歩いている」と、 人間がいかに無意識に物事を捉え、感じることなく日々を過ごしているかを嘆きました。 　彼の言葉には、日常の小さな発見がどれほど大きな価値を持つかが

デジタル技術が記憶と記録に影響すること 　デジタル技術は記憶と記録の方法に大きな変革をもたらしています。 記録の容易さと大量化 スマートフォンのカメラやデジタルカメラにより、日常のあらゆる瞬間を簡単に撮影・記録できるようになりました。これにより、個人の記録が爆発的に増加しています。 記憶の外部化 クラウドストレージやSNSなどにデータを保存することで、自分の記憶を外部に委ねる傾向が強まっています。これは記憶力の低下につながる可能性もあります。 記録の編集と再構成 デジタル技術により、写真や動画を簡単に編集・加工できるようになりました。これにより、記憶を再構築したり、新たな「記憶の風景」を創り出すことが可能になっています。 記憶の共有と集合化 SNSなどを通じて個人の記憶を簡単に共有できるようになり、集合的な記憶の形成に影響を与えています。 記憶の信頼性への影響 デジタル技術による記録は簡単に改変できるため、記録の信頼性や真正性に疑問が生じる場合があります。 新しい表現方法の創出 デジタル技術とインスタレーションを組み合わせることで、従来の写真や絵

創造のコツは、それがどこから得たものかわからないようにすること。 個性とは、選択して構築してきた情報の違い。 美とは、心揺さぶられたこと。 独創性とは、欲求、興味で選んで記憶している情報素材を新鮮な気持ちになれる組み合わせで再構成されること。 『アビニヨンの娘たち』1907年-1908年 パブロ・ピカソ 生きざまがせつない芸術家 ”家族を守れなかった頼れるお父さん” 【名前】　ネアンデルタール人 【芸術活動】　彫刻制作／歌 ・意思疎通は語彙力ではなく、歌って思いを伝える表現力 『ブリュニケル洞窟ストーンサークル』 諸説ありますが、さまざまな壁画を描き残しているクロマニョン人に対して、ネアンデルタール人は象牙を素材とした彫刻『ライオンマン』などの彫刻(立体)を造っていました。また、ミュージカルのように歌でコミュニケーションをとっていたといわれる芸術家ネアンデルタール人は、現代人より大きな頭(脳)と強靭な肉体を使って、身の回りにある様々なものを利用し工夫して投てき具など人の機能を補完する道具を次々に造り出していたと

映画監督の色へのこだわり 色は、白と黒の濃淡で表現できる。まさにこの理屈でモノクロ映画の美しさを表現した人物がいます。 映画『羅生門』（1950 年）など、数々の名作で世界を魅了した黒澤明監督です。 『７人の侍』 当時、モノクロ映画は映像の美しさを追求するものではありませんでしたが、彼は「光と陰による色の効果」を利用して、モノクロ映画に色を感じさせることにこだわりました。 それは彼が元々映画監督志望ではなく、画家志望だったからなのです。 　 画家志望だった黒澤監督は、印象派の画家フィンセント・ファン・ゴッホの絵にあこがれていました。ゴッホの絵といえば、感情をむき出しにしたような鮮烈な色合いが特徴です。 『自画像』1887年春 フィンセント・ファン・ゴッホ そうした背景もあり、黒澤監督はとくに撮影するセットや衣装、背景の配色にはこだわっていました。 侍が刀で斬り合い、吹き出す鮮血を墨汁にするなど、映像がモノクロ化されたときの濃淡をイメージしながら、撮影する対象の配色を意識していたのです。 「モノクロ」の映像で、どれだけ「カラー」を印象づけられるのか

最先端技術を駆使した空間 昔の作品は、古典って言われるけど、その当時は最先端の技術で制作されてたヒット作。 教会は、建築技術、ステンドグラス、フレスコ技法など その時代の最新技術を使い、庶民たちを空間的に圧倒し、神の存在を信じさせた。 今でいうアミューズメントパークや最先端技術を駆使した魅惑のイベント空間である。 『アヤ・ソフィア（内部）』 ただ反発しても結果は出せない 　アートの暗黒時代”ビザンチン”。宗教のために美術が利用された時代から、人間本来の姿に関心を向けていった”ルネサンス”に繋げた画家ジョット・ディ・ボンドーネの功績は大きい。 『キリストの哀悼　The Mourning of Christ』 1305年 ジョット・ディ・ボンドーネ 『最後の審判』　ジョット・ディ・ボンドーネ 絵画技法の発展 描いた絵が大理石に代わるフレスコ画 　石灰と川砂を混ぜたモルタルが乾く前に描くので表面ににじみ出た石灰が被膜となり大理石化するので色が退色しにくくフレッシュ。 だから、語源はイタリア語の "fresco" （新しい、新鮮な）という意味。 『

日本人は、”不快”を”快“に（解決）する文化を持っている。 日本文化は、見えない（五感で捉えた）物事を“文字（俳句）”や“絵（浮世絵）”に 可視化してきたビジュアル（美意識）文化。 ”観察”とは、「よく観て、察する」こと、「気づく」こと、「気づかい」。 生活習慣に根付いた美意識。 気づいたときに感覚が研ぎ澄まされる。 葛飾北斎 画 葛飾北斎 『北斎漫画』より 　東洋においては、自然と自己の境界はあいまいなので、人間だけではなく、山や海、空や雲、あるいは名もなき雑草、雑木、めだかやトンボでも、本気で向き合い描いています。 つまり、自己は自然を感知しているか否か、自然も自己を感知しているか否かだけではないと感じる故、主観と客観が一円相になることを理想とし、それを象徴的に表現することを望んできたように思われます。 『燕子花図屏風』1701-04年 尾形光琳 『百人一首　乳母が絵解』 葛飾北斎 　「草木国土悉皆成仏 （そうもくこくどしっかいじょうぶつ） 」、 この仏教思想が日本のロボットや漫画のキャラクターたちに命を吹き込んでいます。草も木も土や風

№1 　長生きした画家の勝利 　19世紀フランスの平均寿命は40歳ほどでした。画家クロード・モネは86歳まで長生きしたおかげで、貫いてきた絵画表現が世界で認められた 恩恵を晩年にたっぷりと味わうことができました。 　モネが若い頃、絵の新たな手法に挑戦する画家たちの作品は売れず、生活は困窮していました。その頃、 芸術家として生きていくためには公式美術展覧会サロン・ド・パリで入選することが必須でした。ところが古き慣習と権威を守ろうとする美術批評は、美術の革命家といえる 画家たちが描く絵に憤慨し嘲笑していたのです。そんなサロンに対抗して、 モネたちでグループ展を開催しましたが、出品された絵は「勉強不足だ」「未完成だ」などと酷評されます。 絵に印象しか描かれていないと感じた批評家ルイ・ルノワは、モネの絵のタイトル「印象派」を引用して、侮辱的な意味で「印象派たちの展覧会」という記事を書きます。これをモネたちは自分たちを表す言葉として自ら使うようになったのです。 『印象・日の出』1872年 クロード・モネ 　その頃、世界最大の工業国にのし上がってい